{"id":37659,"date":"2025-10-21T21:07:29","date_gmt":"2025-10-22T03:07:29","guid":{"rendered":"https:\/\/themesh.art\/?post_type=eventos&p=37659"},"modified":"2025-10-21T21:08:29","modified_gmt":"2025-10-22T03:08:29","slug":"el-ojo-desarmado","status":"publish","type":"eventos","link":"https:\/\/themesh.art\/en\/eventos\/el-ojo-desarmado\/","title":{"rendered":"El Ojo Desarmado"},"content":{"rendered":"

Nuestra forma de mirar nunca es inocente, entendemos y codificamos el mundo a trav\u00e9s de un anquilosado sistema de creencias, construido desde fuera, pero naturalizado como propio. El proceso de formaci\u00f3n es complejo, hist\u00f3rico y sibilino. No ocurre de un d\u00eda para otro, sino que se desarrolla mediante peque\u00f1os gestos y comportamientos cotidianos que consolidan una manera de entender y abordar el mundo. De todos los sistemas que gobiernan nuestras mentes (capitalismo, neoliberalismo, productivismo\u2026), el patriarcado es el m\u00e1s antiguo de todos y se replica en los dem\u00e1s.<\/p>\n

La muestra tiene como objetivo visibilizar la existencia de un sistema patriarcal que oprime a las mujeres y otras minor\u00edas fuera del hombre blanco occidental heterosexual y desemboca en una cultura de la violaci\u00f3n totalmente naturalizada. Mediante las obras de nueve artistas propone desarmar la mirada, llena de filtros y condicionamientos machistas, para poder construir una nueva y propia.<\/p>\n

El patriarcado es una superestructura tentacular; un camale\u00f3n que adopta la apariencia de su entorno para no ser detectado; un dado con muchas caras que comparten el n\u00facleo de la dominaci\u00f3n y la violencia. Los proyectos apuntan a este engranaje tan bien constituido y se\u00f1alan hacia d\u00f3nde se tiene que dirigir la responsabilidad con un giro de 180 grados en la manera de abordar la cultura de la violaci\u00f3n: desplazando la mirada de las v\u00edctimas hacia los perpetradores y el r\u00e9gimen de pensamiento que ampara la violencia desde los or\u00edgenes hasta hoy.<\/p>\n

En la obra\u00a0Habla<\/i>,\u00a0Cristina Lucas<\/b>\u00a0(Ja\u00e9n, 1973) ataca sin cortes\u00edas los cimientos del patriarcado. Lo hace golpeando a martillazos una r\u00e9plica de la escultura del Mois\u00e9s de Miguel \u00c1ngel exigi\u00e9ndole simb\u00f3licamente una explicaci\u00f3n de las l\u00f3gicas patriarcales que representa. En esa misma l\u00ednea,\u00a0Regina Jos\u00e9 Galindo<\/b>\u00a0(Guatemala, 1974) demanda la formulaci\u00f3n de un und\u00e9cimo mandamiento que deber\u00eda haber existido siempre con su pieza\u00a0NO VIOLAR\u00c1S<\/i>, mensaje claro y contundente que se\u00f1ala a los responsables de los cr\u00edmenes. Por su parte, el v\u00eddeo\u00a0Ca\u00f1\u00f3n de carne<\/i>, de\u00a0Valeria Andrade<\/b>\u00a0(Ecuador, 1973), evidencia la realidad vigente de la cosificaci\u00f3n de la mujer y su posici\u00f3n vulnerable en base a una ideolog\u00eda machista que asocia ciertas apariencias corporales con un comportamiento il\u00edcito o inmoral.<\/p>\n

Un precepto b\u00e1sico en la psicolog\u00eda de los sexos es que el hombre tiene la capacidad f\u00edsica de violar y la mujer es susceptible de ser violada. Esta idea y la integraci\u00f3n de esta en nuestras mentes es el punto de partida del proyecto de\u00a0Olalla G. Valdericeda<\/b>\u00a0(Madrid, 1982)\u00a0\u00bfQu\u00e9 tienes en la cabeza?<\/i>\u00a0donde explicita con una magistral sutileza la presencia de la cultura de la violaci\u00f3n en el lenguaje. La obra consiste en un conjunto de dibujos individuales de armas (martillo, ca\u00f1\u00f3n, pistola, m\u00e1stil, verga, taladro, porra, espada, trabuco\u2026) presentados a modo de taxonom\u00eda cient\u00edfica para demostrar la naturalizaci\u00f3n del falo como instrumento violento. La segunda pieza de Valdericeda,\u00a0Polvo eres<\/i>, es una instalaci\u00f3n que consta de un pupitre de colegio en frente de una pizarra con la frase \u00abEste ni\u00f1o ser\u00e1 el terror de las nenas\u00bb. El mensaje violento es puesto en la cabeza de los chavales, desde su m\u00e1s tierna infancia, y de la mano de sus madres en la mayor\u00eda de las ocasiones. Son mandatos que consolidan la idea de masculinidad y el funcionamiento del orden patriarcal desplegado en la obra de\u00a0N\u00faria G\u00fcell<\/b>\u00a0(Vidreras, Gerona, 1981),\u00a0Una pel\u00edcula de Dios<\/i>. Para su realizaci\u00f3n, la artista colabora durante varias semanas con ocho mujeres menores de edad que fueron maltratadas dentro del contexto mexicano y, al mismo tiempo, lleva a cabo una serie de entrevistas dirigidas a una familia de exproxenetas \u2013dos hermanos y su madre\u2013 que, durante su condena, se reconvirtieron a la fe cristiana. Las historias personales de las j\u00f3venes salen a la luz de una manera que no las expone directamente: explican obras pict\u00f3ricas religiosas cl\u00e1sicas en tercera persona \u2013como si fueran Santa \u00c1gueda, Santa Catalina o Mar\u00eda Magdalena\u2013 situaciones vividas en su propia piel: abusos sexuales por parte de padres y padrastros, agresiones f\u00edsicas y psicol\u00f3gicas, rechazo por parte de sus familias y sus madres\u2026<\/p>\n

El v\u00eddeo de\u00a0Shoja Azari<\/b>\u00a0(Ir\u00e1n, 1958)\u00a0A Room with a View<\/i>, se presenta casi como un cuadro de tradici\u00f3n barroca por el juego de espacios y miradas en un espacio mediatizado por una ventana: en el interior, de espaldas al vano, un hombre y una mujer miran absortos la televisi\u00f3n ubicada en la posici\u00f3n de los espectadores; \u00e9stos, por su parte, observan la pareja al mismo tiempo que son testigos de una brutal escena de violaci\u00f3n al fondo. La masculinidad de los agresores se demuestra en este acto colectivo que certifica la pertenencia al grupo de aut\u00e9nticos machos.<\/p>\n

El principio de superioridad del var\u00f3n es clave para entender la construcci\u00f3n de los estereotipos, cuesti\u00f3n que aborda el trabajo de\u00a0David Mart\u00edn<\/b>\u00a0(Palma, 1978). Con un discurso basado principalmente en las miserias de nuestras vidas, los deseos y los anhelos, sus piezas no solo buscan la reflexi\u00f3n les espectadores, sino hacerles part\u00edcipes de la cr\u00edtica utilizando la provocaci\u00f3n y el humor negro. La obra\u00a0Hominum\u00a0<\/i>propone desmembrar la mentalidad de un abusador a trav\u00e9s de un mural interactivo en el que los visitantes pueden desplazar y cambiar las piezas de tela para evidenciar la construcci\u00f3n sociol\u00f3gica identitaria.<\/p>\n

Marta Pujades<\/b>\u00a0utiliza al personaje de Adonis como eje articulador de su proyecto\u00a0Homes coronats<\/i>\u00a0entendi\u00e9ndolo como la personificaci\u00f3n de atributos relacionados con la masculinidad hegem\u00f3nica propia del patriarcado (fuerza, competitividad, autonom\u00eda, individualismo, agresividad, desafecto, superioridad, etc.) y, a partir de aqu\u00ed, realiza una labor de actualizaci\u00f3n de c\u00e1nones en beneficio de toda la sociedad. Sus retratos fotogr\u00e1ficos plasman una visi\u00f3n esperanzadora relacionada con las nuevas masculinidades. Con esta misma intenci\u00f3n propositiva, la instalaci\u00f3n de\u00a0Arantxa Boyero<\/b>\u00a0(Palma, 1982)\u00a0Meditaci\u00f3n III<\/i>\u00a0invita al espectador a entrar en un espacio para la renovaci\u00f3n y la calma donde poder resetear la mente. La artista gu\u00eda con su voz al participante en un recorrido meditativo que ahonda en las emociones y deseos profundos. Es una invitaci\u00f3n a deconstruirnos desde la espiritualidad para que el ojo aprenda a guiarse por un instinto propio y aut\u00e9ntico.<\/p>\n

La muestra\u00a0El ojo desarmado<\/b>\u00a0no solo se\u00f1ala los problemas enquistados, sino que propone formas de desactivaci\u00f3n de patrones nocivos y maneras sanas de entender la masculinidad para cualquier sexo.<\/p>\n

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Ir de etiqueta<\/a><\/strong><\/p>\n

Performance inaugural El Ojo Desarmado<\/a><\/strong><\/p>\n

22 de octubre \/\/ 19:00 horas<\/p>\n

Sala de exposiciones_3<\/p>\n

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SEMBLANZAS<\/b><\/p>\n

Cristina Lucas (Ja\u00e9n, 1973)<\/b><\/p>\n

Su obra recuerda que el arte es una forma de seducci\u00f3n capaz de hacernos conscientes de lo que ocurre en nuestra sociedad. Interesada en los mecanismos de poder, analiza estructuras pol\u00edticas y econ\u00f3micas para revelar las contradicciones entre la historia oficial, la realidad y la memoria colectiva.<\/p>\n

Trabaja con una amplia variedad de medios como escultura, v\u00eddeo, pintura, fotograf\u00eda y performance, a trav\u00e9s de los cuales construye cartograf\u00edas, instalaciones e im\u00e1genes que ofrecen lecturas cr\u00edticas siempre abiertas. Ha realizado exposiciones individuales en instituciones como MUDAM (Luxemburgo), Kunstraum Innsbruck, Matadero Madrid, Stedelijk Museum (Schiedam), CA2M (Madrid) y Museo de Arte Carrillo Gil (Ciudad de M\u00e9xico). Asimismo, ha participado en citas internacionales como la 28\u00aa Bienal de S\u00e3o Paulo (2008), la 10\u00aa Bienal de Liverpool (2010) y Manifesta 12 en Palermo.<\/p>\n

Su obra forma parte de colecciones internacionales como el Centre Pompidou (Par\u00eds), Fundaci\u00f3n La Caixa (Barcelona), Banco de Espa\u00f1a (Madrid), MUDAM (Luxemburgo), FRAC Lorraine (Metz), IVAM (Valencia), KIASMA National Museum of Contemporary Art (Helsinki), Van Abbemuseum (Eindhoven), Fundaci\u00f3n NMAC (C\u00e1diz), The Coppel Collection (M\u00e9xico) y Bulgari Collection (Roma), entre otras.<\/p>\n

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Regina Jos\u00e9 Galindo (Guatemala, 1974).\u00a0<\/b><\/p>\n

Artista visual y poeta cuya pr\u00e1ctica se centra principalmente en el performance. Emplea su contexto social como punto de partida para explorar y denunciar las implicaciones \u00e9ticas de la violencia, las injusticias de g\u00e9nero, las discriminaciones raciales y los abusos de derechos humanos en las estructuras de poder contempor\u00e1neas.<\/p>\n

Su trabajo ha sido descrito como una praxis radical y perturbadora que presiona los l\u00edmites del cuerpo y la memoria colectiva. Recibi\u00f3 el Le\u00f3n de Oro al Mejor Artista Joven en la 51.\u00aa Bienal de Venecia (2005) por sus piezas\u00a0\u00bfQui\u00e9n puede borrar las huellas?<\/i>\u00a0e\u00a0Himenoplastia<\/i>, que cuestionan las violencias sist\u00e9micas. En 2011 obtuvo el Premio Pr\u00edncipe Claus por su capacidad de transformar indignaci\u00f3n en acci\u00f3n p\u00fablica.<\/p>\n

Ha presentado su obra en m\u00faltiples bienales y grandes muestras internacionales, entre ellas las Bienales de Venecia (49, 53, 54), Documenta 14 (Atenas\/Kassel), la Bienal de Cuenca, la Bienal de Ljubljana, la Bienal de Shangh\u00e1i, la Bienal de Pontevedra, la Bienal de Sidney, la Bienal de Mosc\u00fa, la Trienal de Auckland y otras.<\/p>\n

Su obra integra colecciones internacionales como MoMA (Nueva York), TATE (Londres), Fondation Centre Pompidou (Par\u00eds), Guggenheim (Nueva York), Daros Foundation (Suiza), Miami Art Museum, entre otras.<\/p>\n

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Valeria Andrade (Quito, 1973)<\/b><\/p>\n

Artista transdisciplinaria que trabaja en la intersecci\u00f3n de la danza contempor\u00e1nea, la performance, el audiovisual y la escritura. Desde 1997 desarrolla proyectos desde la plataforma Sujeta a Cambios. Es licenciada en Ciencias de la Educaci\u00f3n (PUCE), con especializaci\u00f3n en Ling\u00fc\u00edstica y Literatura, y m\u00e1ster en Antropolog\u00eda Visual y Documental Etnogr\u00e1fico por FLACSO-Ecuador. Paralelamente, ejerce como docente en la Universidad de las Am\u00e9ricas (UDLA).<\/p>\n

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Su pr\u00e1ctica, situada en el espacio p\u00fablico y en contextos colaborativos, se centra en el cuerpo, las corporalidades y las construcciones sociales de g\u00e9nero, con una mirada \u00e9tica y pol\u00edtica. Ha participado en la XI Bienal de Cuenca (2011), el VI Encuentro Internacional de Arte Corporal (Caracas, 2011) y en la muestra Videoarde, curada por Laura Baigorri. Obras como\u00a0Pr\u00e1cticas Suicidas<\/i>\u00a0(2006),\u00a0Y ahora hacen falta paredes<\/i>\u00a0(2011) o\u00a0Ca\u00f1\u00f3n de carne<\/i>\u00a0(2012) han itinerado en numerosos espacios de Am\u00e9rica, Europa y el Mediterr\u00e1neo. Recientemente form\u00f3 parte de El ojo desarmado (AECID, 2024).<\/p>\n

Entre sus proyectos recientes destacan\u00a0Desplazamientos<\/i>\u00a0(2020-2021), investigaci\u00f3n coreogr\u00e1fica presentada en la Compa\u00f1\u00eda Nacional de Danza y Arte Actual-FLACSO, y Nimiedades de la cuarentena (2020), un videoperformance sobre el cuerpo en confinamiento. Su trabajo ha sido publicado en libros como\u00a0Cartograf\u00eda Cr\u00edtica de la Danza Moderna y Contempor\u00e1nea en el Ecuador\u00a0<\/i>(2015) y Las temporalidades del teatro ecuatoriano (2022), consolidando un perfil que articula creaci\u00f3n, investigaci\u00f3n y docencia.<\/p>\n

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Olalla G\u00f3mez Valdericeda (Madrid, 1982)<\/b><\/p>\n

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid con un M\u00e1ster en Creaci\u00f3n e Investigaci\u00f3n. Su trabajo es conceptual, cr\u00edtico, social, feminista y comprometido. Las obras est\u00e1n al servicio de las ideas: se materializan en escultura, dibujo, v\u00eddeo, fotograf\u00eda instalaci\u00f3n o performance.<\/p>\n

Ha realizado m\u00faltiples exposiciones individuales y colectivas, tanto a nivel nacional e internacional en \u00e1mbitos privados e institucionales. Entre las \u00faltimas cabe destacar:\u00a0Pulsi\u00f3n de colapso<\/i>, Freij\u00f3 Gallery y ARCO 2025;\u00a0Rutas relacionales,\u00a0<\/i>Galer\u00eda Luc\u00eda Mendoza;\u00a0Nepotismo ilustrado,\u00a0<\/i>CCL;\u00a0El ojo desarmado,\u00a0<\/i>Itinerancia AECID (Costa Rica, Honduras, Guatemala, Buenos Aires (2024);\u00a0Re.volver,<\/i>\u00a0Antonia Puyo, Zaragoza;\u00a0Circunstancias,\u00a0<\/i>Centro Dados negros, Villanueva de los infantes.<\/p>\n

Ha sido finalista y premiada en diversas convocatorias: Finalista de Premi Ciutat de Manacor (2024); Premio Vila de Santanyi (2023); El Brocense, Premio Mardel y Premio Internacional de Arte Marta Garc\u00eda-Fajardo, Fundaci\u00f3n Mar\u00eda Jos\u00e9 Jove (2021); Premio adquisici\u00f3n Obra CA2M comisi\u00f3n extraordinaria (2020).<\/p>\n

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N\u00faria G\u00fcell (Vidreres, Girona, 1981)<\/b><\/p>\n

Licenciada en Bellas Artes y M\u00e1ster en Iconograf\u00eda, complementa su formaci\u00f3n con estudios en pedagog\u00eda e Historia del Arte. Su pr\u00e1ctica, iniciada en 2005, se define como una confrontaci\u00f3n pol\u00edtica y social que cuestiona convenciones morales y estructuras establecidas. Ha realizado exposiciones individuales en centros como ADN Galer\u00eda (Barcelona), Fabra i Coats (Barcelona), Casal Solleric (Palma), CAC Br\u00e9tigny (Francia), Middlesbrough Institute of Modern Art (Reino Unido), Museo de Arte Contempor\u00e1neo de Castilla y Le\u00f3n, Arts Santa M\u00f2nica (Barcelona) y Project Arts Centre (Dubl\u00edn). Particip\u00f3 en bienales de Pontevedra, Liverpool, Liubliana, Atenas, Varsovia, C\u00facuta y La Habana.<\/p>\n

Su trabajo se encuentra en colecciones como MACBA (Barcelona), Moderna Museet (Estocolmo), La Panera (Lleida) y Middlesbrough Institute of Modern Art. Ha recibido reconocimientos como las Becas Multiverso a la Creaci\u00f3n en Videoarte (Fundaci\u00f3n BBVA, 2019), el Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert (2018) y las Ayudas a la Creaci\u00f3n Visual de VEGAP (2018).<\/p>\n

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Shoja Azari (Shiraz, Ir\u00e1n, 1958)<\/b><\/p>\n

Residente en Estados Unidos desde 1983, combina cine y artes visuales en una pr\u00e1ctica reconocida internacionalmente. Desde 1997 colabora con Shirin Neshat en instalaciones f\u00edlmicas premiadas, entre ellas Turbulent, que obtuvo el Le\u00f3n de Oro en la Bienal de Venecia de 1998.<\/p>\n

Ha participado en festivales de cine y exposiciones internacionales, desarrollando proyectos como Mar\u00eda de los \u00c1ngeles (2003-2004), estrenado en el Kevorkian Center de la Universidad de Nueva York, y Windows, un film experimental en formato de instalaci\u00f3n compuesto por nueve escenas, presentado en Salamanca. Su trabajo se centra en las tensiones entre interior y exterior, lo privado y lo p\u00fablico, construyendo narrativas cr\u00edticas a partir de la imagen en movimiento.<\/p>\n

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David Mart\u00edn Casta\u00f1o (Palma, 1978)<\/b><\/p>\n

Formado en Gr\u00e1fica Publicitaria en la Escola Pau Gargallo de Badalona y M\u00e1ster en Dise\u00f1o de Interiores en la Escola Superior de Disseny de Barcelona, ha completado estudios en Cultura L\u00fadica y Entretenimiento en la UOC, as\u00ed como formaci\u00f3n en la Fundaci\u00f3n Mir\u00f3 de Mallorca y en el Centre d\u2019Art i Natura de Lleida.<\/p>\n

Su obra, influida por la cultura visual y marcada por una actitud cr\u00edtica, explora el comportamiento humano y los mecanismos sociales, recurriendo al humor y al color como herramientas de reflexi\u00f3n. En los \u00faltimos a\u00f1os ha centrado su pr\u00e1ctica en la escultura y especialmente en el bajorrelieve, uniendo la plasticidad del barro con la gr\u00e1fica. Ha expuesto en ferias y espacios como Art Madrid, JustMad, Art Palma Brunch y Nit de l\u2019Art con la Galer\u00eda Fran Reus, adem\u00e1s de participar en proyectos como\u00a0El ojo desarmado<\/i>\u00a0(AECID, 2024). Fue seleccionado en Noves Pres\u00e8ncies del Consell de Mallorca y en el Certamen d\u2019Arts Pl\u00e0stiques i Visuals de Binissalem. Actualmente colabora con galer\u00edas como Bibi+Reus y ArtHome Gallery en Palma.<\/p>\n

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Marta Pujades (Palma de Mallorca, 1990)<\/b><\/p>\n

Graduada en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona y M\u00e1ster en Fotograf\u00eda y Dise\u00f1o por la Universitat Pompeu Fabra y ELISAVA, su trabajo gira en torno a los conceptos de identidad e imagen. Explora c\u00f3mo se construyen y representan las identidades individuales y colectivas a trav\u00e9s de lenguajes visuales, cuestionando sus formas de aparici\u00f3n y los mecanismos que las sostienen.<\/p>\n

Ha presentado exposiciones individuales en espacios como la Galer\u00eda Xavier Fiol (Palma), Centro P\u00e1rraga (Murcia), Casal Solleric (Palma), CCA Andratx, y Kunstr\u00e4ume Michael Horbach Stiftung (Colonia). En el \u00e1mbito colectivo ha participado en ferias y muestras en Es Baluard Museu d\u2019Art Modern i Contemporani de Palma, JustMad (Madrid), MIA Photo Fair (Mil\u00e1n), Palazzo Ferrero (Italia), The Others Art Fair (Tur\u00edn) y MUU Gallery (Helsinki), entre otros. Su trayectoria ha sido reconocida con numerosos premios y becas, entre los que destacan el Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert d\u2019Arts Visuals (2016), el Premi Ciutat de Manacor d\u2019Arts Visuals (2016), la beca de producci\u00f3n de la Fundaci\u00f3n La Caixa (2018) y la ayuda a la creaci\u00f3n del Institut d\u2019Estudis Bale\u00e0rics (2020).<\/p>\n

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Arantxa Boyero (Mallorca, 1982)<\/b><\/p>\n

Formada en fotograf\u00eda en la Escola Superior de Disseny de Palma de Mallorca y con un M\u00e1ster en Fotograf\u00eda, Concepto y Creaci\u00f3n en EFTI (Madrid), complet\u00f3 estudios en The Dark Room (Florencia). Su pr\u00e1ctica combina la mirada cr\u00edtica de la artista con la precisi\u00f3n t\u00e9cnica de la fot\u00f3grafa, explorando el cruce entre lo cotidiano, lo \u00edntimo y lo absurdo.<\/p>\n

Su trabajo, de car\u00e1cter multidisciplinar, se despliega entre la fotograf\u00eda, el v\u00eddeo, la instalaci\u00f3n y la performance, con un fuerte componente experimental y un inter\u00e9s en lo relacional. Ha realizado exposiciones individuales en espacios como Espacio Oculto (Madrid), CEART Fuenlabrada, Addaya Centre d\u2019Art Contemporani (Mallorca) y el Centro C\u00edvico de Col\u00f2nia de Sant Jordi, adem\u00e1s de proyectos digitales como Melocot\u00f3n (Tinder App).<\/p>\n

Ha participado en numerosas colectivas y screenings en contextos nacionales e internacionales, entre ellos Es Baluard Museu d\u2019Art Modern i Contemporani de Palma, Matadero Madrid, La Casa Encendida (Madrid), Fundaci\u00f3n de France (Par\u00eds), FRAC Corse (C\u00f3rcega), MUU Galleria (Helsinki), Centro Dados Negros (Ciudad Real), Pinacoteca do Estado do Rio Grande do Norte (Brasil), PhotoPhnomPenh (Camboya), y festivales como JustMad, Hybrid Art Fair o Region 0 en Nueva York.<\/p>\n

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Cat\u00e1logo de la exposici\u00f3n<\/a><\/strong><\/p>\n

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